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6 Películas que enfrentaron Obstáculos Inverosímiles

  1. #1
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    #6: Toy Story 2.


    La franquicia Toy Story es el experimento recurrente de Pixar sobre cuántas veces pueden hacer que hombres adultos lloren durante una caricatura sobre juguetes infantiles protagonizada por el tipo de Home Improvement. Pero la serie fue casi destruida unos 20 años atrás por un simple error de programación. 2 meses y cientos de horas en la producción de Toy Story 2, los códigos de alguien causaron que la película se borrara sola de las computadoras de Pixar.


    Esto, básicamente.

    Mientras un programador trabajaba con el sombrero de Woody, comenzó a notar que todos los archivos estaban desapareciendo del servidor. Tuvo que llamar a la oficina principal para demandar que desconectaran las computadoras hasta que pudieran descubrir que estaba sucediendo.

    Resulta que alguien trabajando en el filme (quien, comprensiblemente, es probable que nunca se identifique y se lleve este secreto particular a la tumba) por accidente había activado un comando en el servidor principal de Pixar para limpiar archivos indeseados. Pero porque las computadoras en realidad son bastante estúpidas, el servidor identificó los “archivos indeseados” como la totalidad de Toy Story 2. Para dar una idea, imagina que estás trabajando en una tarea de la escuela y, después de unos pocos miles de palabras, accidentalmente borras el archivo. Ahora imagina que tu tarea tiene un presupuesto de cien millones de dólares y el archivo que borraste representa el masivo esfuerzo colaborativo de unos pocos cientos de personas. “Lapidación” sería un castigo que esperarías.

    Para empeorar las cosas, resultó que todos los archivos de respaldo también habían sido corrompidos por razones no relacionadas, así que parecía que la producción tendría que empezar desde 0. Pero milagrosamente, la directora técnica supervisora, Galyn Susman, tenía copias de respaldo de la mayoría de los archivos perdidos en su computadora casera. Había estado trabajando en el proyecto desde casa debido a que recientemente tuvo un bebé, y también presumiblemente buscaba pagar la universidad de su hijo al vender suficientes copias piratas para llenar varios refrigeradores comerciales.

    Pixar fue capaz de recuperar la película de los archivos de Susman y logró completarla, así que el hecho que la franquicia Toy Story continúa existiendo puede esencialmente ser atribuido a un infante.

    #5: The 40-Year Old Virgin.


    Steve Carell es uno de los actores cómicos más populares de Estados Unidos, como evidencian las 42 nominaciones al Emmy que The Office ha acumulado. Pero todavía era relativamente desconocido en 2005, cuando la descriptivamente titulada The 40-Year Old Virgin lo disparó al estrellato. Judd Apatow amó la actuación de Carell como el idiota hombre del clima Brick Tamland en Anchorman (que Apatow produjo) y se le acercó para que interpretara al protagonista en Virgin, la película de Apatow sobre un nerd tratando de superar su existencia asexuada con la ayuda de los terribles consejos de sus terribles amigos.

    No obstante, Universal no estaba exactamente enamorada de su decisión de casting, porque, cuando vieron la primera secuencia del filme, presentando a Carell montando en bicicleta con un casco reflector de sexo, entraron el pánico debido al hecho que pensaban que lucía como un asesino serial.

    Como que puedes entender su postura, considerando que esta exacta observación es hecha por varios personajes en la película. Oh, y hay un género entero de videos en YouTube hechos enteramente por fans reeditando el tráiler en una película de horror. Realmente es tan fácil como cambiar la música de fondo:


    De acuerdo a Carell, el estudio temía que en lugar de reírse de sus embarazosas payasadas, las audiencias pasarían el filme entero preguntándose si iba a asesinar a Catherine Keener y a sus 2 hijos. Así que enviaron una memo de emergencia a 2 días de empezada la filmación diciendo que iban a cancelar la producción.

    Apatow tuvo que reunirse con los productores para defender su caso y Universal aceptó dejar que la película continuara con la condición de traer su propio editor personal para asegurarse que Carell luciera lo menos posible como Ted Bundy.

    Además, el estudio insistió que Paul Rudd era demasiado gordo, lo que es una crítica rara para una película donde también sale Seth Rogen. Rudd aceptó ponerse a dieta para perder unas pocas libras, mientras que Carell decidió llevar a su personaje en una dirección más “Buster Keaton”.

    Sin embargo, las escenas favoritas de Apatow siguen siendo las filmadas antes de la interferencia del estudio, donde, ¿saben qué?, la Universal tenía razón; Steve Carell parece un asesino serial:


    #4: Scream.


    Cuando Wes Craven, uno de los pioneros del género slasher, fue cortejado para dirigir Scream, rechazó la película 2 veces. Originalmente, se suponía que el filme fuese una comedia y probablemente puedas imaginar cómo te sentirías si fueses un director legendario al que le piden que dirija un libreto que se cagaba en tu carrera y el género que co-fundaste. Pero a Craven le gustaba mucho la idea de un meta-filme de horror en el que el asesino tuviese un conocimiento enciclopédico de las películas slasher del mundo real, así que eventualmente aceptó dirigir, siempre y cuando lo hiciese a su manera: una película de terror con algunos elementos de comedia, en lugar del inverso. (Los hermanos Wayans heroicamente tomarían esa antorcha varios años después y tratarían de mantenerla encendida mucho tiempo después de haberse quemado).

    El jefe del estudio Bob Weinstein entusiastamente aceptó la dirección de Craven, pero una vez que la cinta estaba siendo filmada, comenzó a arrepentirse. Weinstein llamaría a Craven en mitad de la filmación para quejarse por todo desde el presupuesto hasta la peluca de Drew Barrymore (es un secreto a voces en la industria que Weinstein se quejará de la peluca de cada actor, ya sea que usen o no una). El punto es, Weinstein de inmediato lamentó su decisión de apoyar a Craven y buscaba pretextos para odiar a Scream. Lo que realmente lo obsesionó fue la máscara usada por el asesino, apodado “Carafantasma”. Supuestamente, la máscara fue encontrada en el ático de alguien por un buscador de locaciones y Craven la amaba porque lucía como la famosa pintura de Edvard Munch El Grito, lo que era demasiada coincidencia para ignorar.

    Weinstein, no obstante, pensaba que la máscara lucía tan aterradora como el ano de un gato y le dijo a Craven que refilmara cada escena presentando a Carafantasma 4 veces: cada una con una máscara diferente, para que los productores pudiesen hacerse sus propias ideas tras ver varias tomas. Fue en este punto que Craven le dijo a Weinstein que se fuese a la mierda. Argumentó que no tenía ningún sentido filmar la película 4 puñeteras veces sólo porque a los productores les preocupara que la máscara luciera barata, especialmente ya que las máscaras baratas han sido una constante del género desde que Michael Myers mató a un montón de adolescentes usando la cara de William Shatner pintada de blanco.

    Eventualmente, Cathy Konrad, la supervisora de la producción, convenció a Weinstein de que dejara que Wes Craven, el amado maestro del maldito género, tomara unas pocas decisiones propias. Hasta dejaron que Drew Barrymore usara la estúpida peluca.


  2. #2
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    #3: The Sound of Music.


    The Sound of Music es sobre como una familia austriaca permanece optimista a pesar de la amenaza inminente de la invasión Nazi, debido al hecho que la colinas aparentemente están vivas con el sonido de la música del título. Si no la has visto, probablemente sólo puedas recordar una escena: la parte donde Julie Andrews va por un precioso prado, abre los brazos y canta la famosa canción por la cual la película es nombrada.

    Pero esa escena estuvo repleta de problemas desde el comienzo. Primero, Andrews tuvo que viajar a la locación en una apestosa carreta de bueyes, apretada con equipo de filmación, mientras usaba un enorme abrigo de piel (Andrews después diría que el abrigo de visón probablemente fue una mala idea para una expedición a un campo de vacas, pero la moda es la moda). El mayor problema fue que (cuando llegaron al prado, pusieron el equipo y comenzaron a filmar una de las escenas más icónicas en la historia del cine) la canción de Andrews fue interrumpida por un furioso granjero alemán. Entró corriendo en la escena, gritó en un lenguaje que ninguno de ellos podía entender y blandió una horquilla. Presumiblemente no les estaba preguntando si necesitaban que les prestaran una horquilla para usarla como utilería.

    Resulta que los realizadores habían pagado a este granjero una cantidad exorbitante de dinero para filmar la escena en su tierra, pero no tuvieron en cuenta el hecho que en realidad estaba loco. El tipo estaba gritando que todo el ruido estaba molestando a sus vacas y que se estaban negando a producir leche.

    Cuando finalmente fueron capaces de volver a filmar, notaron algo más: el arroyo se había ido. Tras adquirir el uso del prado, los realizadores tuvieron que hacer el esfuerzo de manufacturar un arroyo falso, con tuberías de goma, para que las líneas en la canción que se referían a una quebrada murmurante realmente tuvieran sentido contextual. Pero, en algún punto entre eso y la fecha de filmación en sí, descubrieron que Granjero McLoco había ido y apuñalado su quebrada con su confiable horquilla y después cortado la larga hierba que le habían pagado específicamente para que no cortara. Se necesitaron 2 días para reconstruir el arroyo y volver a la filmación.

    En ninguna parte se dice si las vacas se recuperaron o no; tenemos que preguntarnos si vieron a los actores disfrazados y les preocupaba que los Nazis volvieran al poder.

    #2: Doctor Doolittle.


    Décadas antes que Eddie Murphy le hablara a conejillos de Indias con la voz de Chris Rock, la Doctor Doolittle original, la historia de un doctor que puede hablar con los animales, estaba siendo filmada en Whiltshire, Inglaterra. Ya era una producción problemática: los animales entrenados eran una maldita pesadilla, frecuentemente mordiendo y orinándose en la estrella Rex Harrison, destruyendo sets y creativamente poniendo en peligro sus propias vidas al hacer cosas como beber un cuarto de galón entero de pintura.

    Adicionalmente, el libreto pedía una caricatura racista de un afroamericano que originalmente iba a ser interpretado o por Sammy Davis Jr. o Sidney Poitier antes que el personaje fuese eliminado por completo del filme por razones que no deberíamos tener que explicar. Pero todo esto palidece en comparación con la oposición que 20th Century Fox experimentó cuando trató de construir la ciudad natal del Doctor.

    Verás, se suponía que Doctor Doolittle viviese en un pueblo pesquero, así que la producción construyó una represa en un arroyo en Wiltshire para incrementar el tamaño de un estanque. Esto enojó a los residentes locales, a los que ya habían pedido que removieran las antenas de TV de sus casas para representar mejor la era victoriana del filme, y estaban lidiando con todo el tráfico y afeamiento general del paisaje que viene con la producción de películas. La represa fue la gota que derramó el vaso.

    Así que un residente local decidió entrar en acción. Ese residente por casualidad era Ranulph Fiennes, uno de los mayores exploradores vivos del mundo, quien fue el primer hombre en cruzar la Antártida a pie. Peleó en las SAS (fuerzas especiales británicas), ha escrito media docena de libros y, actualmente, a la edad de 65, planea escalar las montañas más altas de cada continente y cruzar ambos polos en un intento por establecer un nuevo record (asumimos que el record es “el hombre más entrecano del mundo”).

    No obstante, cuando Doctor Doolittle fue filmada, Fiennes era un joven del vecindario que acaba de comenzar su servicio en las SAS. Fiennes decidió tomar acción al juntar un montón de explosivos de uno de sus ejercicios de entrenamiento y mandar la represa del set de cine al carajo. Tengan en mente, todo esto era por un musical de 2 horas y media sobre un doctor que puede hablar con los animales.

    El acto de desobediencia civil de Fiennes retrasó la producción de Doctor Doolittle un año entero, pero logró evitar la prisión al pagar una multa de 500 libras (con toda justicia, eso es casi 9000 libras en dinero del presente).

    #1: The Godfather.


    Aquí está una pieza de trivia con la que hasta tus más ávidos amigos cinéfilos se equivocarán: ¿Cuántas veces se pronuncia la palabra “mafia” en The Godfather?

    La respuesta es 0. Seguro, hablan sobre la “familia”, pero ni una vez un personaje dice “mafia” es la película de la mafia más importante de todos los tiempos. ¿Por qué? Mayormente porque a la gente que trabajó en el filme le envió amenazas de muerte la Mafia real.

    En la década de 1970, la Mafia trató de aprovechar todo tipo de agujeros legales para probar que eran ciudadanos estadounidenses honestos, respetuosos de la ley y amantes de la libertad. El jefe del crimen Joseph Colombo llegó hasta a establecer la Liga Italoamericana de Derechos Civiles, que argumentaba que la persecución de las fuerzas de la ley de la Mafia era racista, aun mientras personalmente le rompía los huesos a las personas como un maldito líder de la Mafia. De acuerdo a él, eso no era un crimen: eso era cultura italiana. ¿Por qué el FBI era tan prejuicioso con los italianos?

    Como Colombo declaró, “no hay una Mafia. ¿Soy el jefe de una familia? Sí. Mi esposa, mis 4 hijos y una hija. Esa es mi familia”. Los asociados totalmente normales y no criminales de Colombo explotaron cada método, legal o no, para evitar que The Godfather fuese hecha. Cuando demandar a la producción no funcionó, comenzaron a intimidar al equipo de filmación directamente, haciendo amenazas de bombas, acosando a los productores y eventualmente amenazando las vidas de las familias de aquellos asociados con el filme. Hasta Frank Sinatra se metió en la acción, porque el personaje de Johnny Fontane claramente estaba basado en él y, como puedes recordar, el principal papel de Johnny Fontane en el filme es ser abofeteado por Marlon Brando.

    Eventualmente, los realizadores fueron capaces de aplacar a la “Liga Italoamericana de Derechos Civiles” al prometer que la palabra “mafia” nunca sería usada en el filme. Además, Albert Ruddy, el productor, se reunió personalmente con Colombo, le mostró el libreto y señaló como la película también incluía caricaturas racistas de los irlandeses y los judíos, demostrando que no era algo centrado en los italoamericanos. Esta no es broma.

    Colombo aceptó después de leer exactamente 2 palabras del libreto y la película finalmente recibió el visto bueno oficial de la Mafia, con nadie despertando para encontrar la cabeza de un animal en su almohada.



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