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Sección "Películas que dejamos pasar"

  1. #1
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    Predeterminado Sección "Películas que dejamos pasar"


    Así es, voy a estar administrando dos secciones de cine en este foro. Sólo que en esta voy a trabajar de forma más esporádica y estará dedicada a películas mucho más recientes que tal vez no sean un dechado de virtudes y nunca se vayan a convertir en clásicos pero sirven para reconciliarse con el cine moderno.

    ¿Y por qué son "películas que dejamos pasar"? Pues porque son películas que se estrenaron de forma limitadísima (provocando que no las fuera a ver ni Dios), pasaron directamente a DVD (al menos en Occidente) o, en el peor de los casos, ni siquiera se han publicado en ese formato, teniendo uno que descargarlas de internet para poder disfrutarlas.

    Última edición por Karakorum; 02/07/2011 a las 15:35
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  2. #2
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    Public Enemy (2002).


    Public Enemy se sitúa dentro del género del thriller. Su historia sigue a un policía no muy honesto y que últimamente no ha hecho demasiadas detenciones, por lo cual es reprendido por su jefe e investigado por asuntos internos. Una noche en medio de una investigación se enfrenta a alguien desconocido que intenta matarle clavándole un gran cuchillo. Dicha arma es la misma que se ha usado en un brutal asesinato. A partir de ese momento dará comienzo una persecución implacable entre el policía y el asesino.

    Lo más curioso de esta cinta es que tratándose de un thriller, éste tiene lugar también para algunos puntos cómicos de lo más ingeniosos y excelentemente metidos en la trama probablemente para que el espectador descanse un poco, ya que hay algunos pasajes de la historia que son bastante duros. Que conste que no nos encontramos ante uno de esos dramones donde todo le sale mal al protagonista. Me refiero concretamente a la figura del villano, el cual comete verdaderas brutalidades, y sus motivaciones son realmente terribles. Un personaje fascinante que tal vez está un poco desaprovechado. Todo lo horrible que este personaje nos pueda parecer contrasta con los momentos graciosos que protagoniza el protagonista principal.

    Y si el villano del relato está un pelín desaprovechado es porque la película se centra demasiado en el papel del policía, un personaje entre simpático, perdedor, honrado e incluso todo lo contrario. Dicho personaje está extraordinariamente interpretado por Sol Kyung-gu, que al lado de Lee Sung-jae ofrecen un verdadero recital de actuaciones. Ambos actores están fantásticos compenetrándose a la perfección interpretando a dos personajes enfrentados, antagonistas sin cuartel en un duelo muy efectivamente narrado.

    Kang Woo-suk dirige con ritmo y precisión, aunque hay que decir que el film quizá pierda un poco de tiempo en presentarnos a los dos personajes principales: unos 40 minutos para que los conozcamos más o menos bien, y que a mi juicio es demasiado tiempo. No obstante, el film no aburre en ningún momento y a la hora de la hora éste da un subidón tremendo. Las pocas escenas de acción que hay están muy bien narradas y sin demasiadas exageraciones. Woo-suk acierta con su puesta en escena y utiliza muy bien el formato scope, no como otros que simplemente lo usan porque es espectacular.

    Una buena película entretenidísima y llena de buenos momentos. Pasarán un buen rato y anoten el nombre de su director, ya que tiene bastante éxito en su país.

    Nota de Karakorum: Si la ven y les gusta, tal vez deberían ver también Silmido (2003), del mismo director, que es una muestra de buen cine de acción.



  3. #3
    AlexDying
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    Me apunto a Kang Woo-suk. Me ha llamado bastante la atención la de "Silmido", tiene una pinta excelente. Lo único con lo que no hago buenas migas con el cine asiático es su excesivo metraje; más que el metraje, la lentitud.


  4. #4
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    Following (1998).


    En estos momentos Christopher Nolan está en esa fase por parte de los espectadores, de ser odiado o amado a partes iguales. Hay quien dice que eso sólo le pasa a los genios. Kubrick puede ser una buena muestra de ello. Personalmente pienso que es un director bastante fiable, y el futuro del cine americano, por decirlo de alguna forma, puede verse seguro por la figura de este director, que a cada película que ha estrenado ha levantado tantas pasiones como rechazos. Desde su descubrimiento en la buena Memento, hasta la correcta The Prestige. Pero la carrera de Nolan tuvo su comienzo con un film muy poco conocido titulado Following, y en el cuál ya presentaba algunas de las constantes de su posterior cine.

    La premisa de Following es ciertamente interesante, Bill es un joven escritor que un día decide seguir a gente para ver lo que pasa, qué hacen, a dónde van, y si esto le sugiere alguna idea para escribir. Un día decide seguir siempre al mismo hombre, el cual se da cuenta de que es seguido y decide hablar con su “perseguidor”.

    La película ya posee todos los tics del cine de Nolan, más desarrollados en sus posteriores films. Narra la historia de forma no convencional, comenzando desde dos puntos, el principio y el final, que van avanzando cada uno por su lado, hasta que lo narrado toma forma. Eso sí, está todo como más ordenado, separando las elipsis o flashbacks por fundidos en negro que aclaran enormemente esos saltos temporales. Quizá en su primera película no quiso arriesgarse tanto como en Memento. El personaje principal tiene, al igual que sus otros films, alguna característica especial que le diferencia del resto. Y al igual que en The Prestige enfrenta a los dos personajes centrales como si de un duelo se tratase, conduciéndolos además hacia un posible final sorpresa. En este caso, más importante, ya que la película está construída en base a ese final.

    Lo bueno de Following es el camino que va tomando la historia según va avanzando. Con pocos elementos, Nolan, hace interesante un relato, que va mostrando sus verdaderas cartas según se aproxima el final. Y todo ello, sin demasiadas pretensiones, ni resultar cargante, careciendo de ese aire culto que se dan algunas óperas primas. La sencillez de su puesta en escena, con notable falta de medios, es totalmente efectiva, y el blanco y negro apoya perfectamente lo que se está contando, sin necesidad de aparentar ser únicamente una pose estética.

    Los dos actores centrales están perfectamente compenetrados, tanto Jeremy Theobald, que hace de joven escritor, como Alex Haw, en su único trabajo para el Cine, componen dos personajes muy naturales y creíbles, con una relación que evoluciona de forma perfecta en el sencillo guión. No está a la altura Lucy Russell, en el papel de un personaje que remite directamente a las femmes fatales del cine negro, pero la actriz está un poco inexpresiva y bastante fría.

    Tal vez haya que reprocharle que en su parte final, a pesar de estar perfectamente explicada, acelera un poco el ritmo, con lo cual éste se rompe, y desentona con el resto. Es como si Nolan tuviera prisa por terminar la película, algo que ocurre a los 70 minutos de empezar, y lo cierto es que podría haberla alargado un poco más sin perjudicarla. No obstante, un buen film, muy lejos de la fastuosa puesta en escena de sus dos últimos trabajos, pero dejando muy claro cuál es su estilo.


  5. #5
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    Following es la única película de Nolan que me queda por ver. De momento no me ha fallado nunca, yo soy de los que lo aman a muerte xD.


  6. #6
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    Running Out of Time (1999).


    ¿Su argumento? tópico hasta la saciedad. Un negociador de rehenes en secuestros, de curiosos métodos, es sometido a un juego de gato y ratón por un peligroso delincuente, al que le queda un mes de vida. Ambos se enfrentarán en un duelo histórico en el cual medirán su ingenio, al mismo tiempo que se van conociendo el uno al otro. ¿Cuántas veces hemos visto esta historia?

    Sí, conozco la respuesta. Y así, de antemano y sin más infromación pues a uno no le interesa volver a ver una historia contada en mil ocasiones hasta el aburrimiento. Sin embargo, aquí Johnnie To hace gala de una puesta en escena y un dominio de los resortes del género, que quitarían el aliento a cualquier director americano con más fama sobre sus hombros. Una escasa hora y media, como en los viejos tiempos, le es más que suficiente a To para contarnos un montón de cosas, con un guión milimétrico que funciona a la perfección, y en el que da para tratar todos los aspectos del mismo. No sólo tenemos a dos personajes centrales perfectamente dibujados, sino que además, los secundarios están muy bien tratados al no mostrarlos como simples figurantes. Los diálogos son inteligentes, se nos muestra lo único y necesario sin necesidad de perder el tiempo en preámbulos o ramificaciones vacías y sin sentido. Todo lo que ocurre en pantalla interesa hasta el último minuto, el cual, cuando llega, queremos que sea eterno. De hecho, un servidor rebobinó varias veces para disfrutar del final del film, ya que no quería que éste terminara.

    ¿Y qué es lo que hace interesante un film con un argumento demasiado visto? Sobre todo, la labor de su director, con una enorme falta de pretensiones, y tratando el tópico con cariño, sabiendo que se narra una historia clásica y que hay que hacerlo bien, no con cansancio, y no dejando que el film funcione por sí solo, sino dándole una esencia propia, llena de magnetismo y personalidad. Porque éste es un film con vida propia, con un universo muy particular. En él se encuentran todas las constantes del cine de su director, pero éstas están tratadas con mayor minuciosidad. Los antagonistas enfrentados, la crítica al sistema policial, los personajes solitarios y eminentemente románticos como si de un western se tratara. Necesitándose, respetándose, mostrando apenas un par de cosas de ellos mismos, enfrentándose mutuamente. Y el espectador siendo testigo imparcial de ese enfrentamiento, en el que es difícil decantarse.

    Otro de sus brillantes aspectos es la labor interpretativa de sus dos protagonistas principales. Por un lado, el archifamoso Andy Lau, quien compone una de sus mejores interpretaciones con un personaje lleno de carisma y fuerza, con el que el espectador se identifica enseguida. A su lado, compentrándose a la perfección con Lau, Ching Wan Lau, componiendo un Inspector de policía realmente fascinante y lleno de matices, como esa manía de querer comer algo inmediatamente después de cada caso. Ambos actores están inmensos, y el resto del reparto pasan sobradamente la prueba de cumplir con cierto nivel al lado de estos dos.

    Y no nos olvidemos de las contadas escenas de acción, como de costumbre en el cine de To. La elegancia es su cualidad más significativa, el montaje es dinámico, y es de las pocas veces que cierto recurso videoclipero es utilizado en un par de ocasiones con suma inteligencia, sin resultar gratuito ni andar mareando al espectador con efectismos baratos que no harían más que afear una película que, por otro lado, es visualmente perfecta. Una perfección que se puede ver lastrada por una simpleza argumental en lo que respecta a la trama que envuelve al personaje de Lau, per que, en ningún momento, nos hace perder el interés por la película.

    Una película muy buena, y que ya estoy deseando ver otra vez, porque el disfrute es máximo. Cine de acción inteligente, divertido y fascinante. Adornado además con una preciosa banda sonora enormemente nostálgica, en la que incluso suenan gaitas. De las poquísima veces que un servidor se compra el dvd a ciegas. No me arrepiento ni lo más mínimo. Y ahora, a buscar la segunda parte, titulada evidentemente Running Out of Time 2, y que también ha dirigido Johnnie To, aunque le acompaña Law Wing-cheong. Probablemente no esté a la altura, pero me lanzaré a comprobarlo.


  7. #7
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    Cure (1997).


    Kiyoshi Kurosawa es un director japonés que nada tiene que ver con el gran Akira Kurosawa, salvo la coincidencia de apellido, y del que cada vez que veo una película me fascina sobremanera. Probablemente su film más famoso por tierras occidentales sea Kairo (internacionalmente conocida como Pulse), del que recientemente hicieron un penoso remake, y el resto de su filmografía, pues lo típico, no ha llegado aquí de forma legal por así decirlo. Creo que fascinacion es una palabra que define muy bien el modo de hacer cine de este señor; sus films son realmente atípicos, a contracorriente incluso dentro del cine oriental, y provocan en mí tal poder de sugestión que me tienen enganchado a la pantalla durante toda la película. Cure es uno de esos títulos y recomiendo encarecidamente su visionado. Eso sí, tienen que cambiar el chip, saldrán ampliamente recompensados, en serio.

    Cure es un film policiaco que narra las investigaciones de un policía sobre una serie de asesinatos que se están cometiendo en la ciudad de Tokyo. La única conexión que hay entre todos ellos, es que los cuerpos aparecen “marcados” con una gran x hecha con un instrumento cortante por todo el cuello. El policía irá estrechando cada vez más el cerco al asesino, y pronto descubrirá, y con él un sorprendido espectador, el poder hipnótico que éste tiene sobre la gente, logrando que cualquiera pueda cometer un crimen, exténdiendose igual que si fuera un virus.

    Kurosawa marca al film con un ritmo lento, pero preciso y al igual que su personaje va introduciendo al espectador en una especie de hipnosis visual, procediente de su calculada, limpia y precisa puesta en escena. Estamos ante un film que avanza muy despacio, casi sin que lo percibamos, y ahí radica gran parte de su atractivo. Por otro lado, y una vez más, Kurosawa incide en temas ya expuestos en su cine, la soledad y la incomunicación, constantes éstas que parecen sello de la casa. Argumentalmente es muy fácil emparejar Cure con Kairo, a pesar de que pertenecen a géneros distintos, pero a mi juicio, la primera está mejor terminada, mucho más perfilada en sus intenciones, a parte de que es más disfrutable desde el punto de vista de querer conocer el sello inclasificable, pero totalmente personal, de un autor absolutamente increíble, y que al igual que su historia, produce un gran poder hipnótico en el espectador.

    Una película estupenda, con algún que otro momento “fuerte” muy conseguido, y que deja un final abierto que provoca el debate. Protagonizada por Kôji Yakusho, el actor fetiche del director y que está simplemente genial en su papel de policía. Uno de esos films que pare verlos tienen que recurrir a métodos “no oficiales”. Una maravilla que merece la pena. Yo, por mi parte sigo indagando en este Kurosawa.


  8. #8
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    Duelo de Dragones (2005).


    Duelo de Dragones (Sha Po Lang) se centra en la violenta rivalidad entre las triadas y la policía de Hong Kong. Después de que casi toda su familia sea asesinada por orden del temible jefe mafioso Po, el detective Chan busca venganza, aunque para ello tenga que utilizar métodos no muy ortodoxos. La llegada de su sustituto, un joven policía experto en artes marciales, acentuará todavía más la lucha por el control de una ciudad sin ley.

    Tras leer la sinopsis, más de uno/a habrá abandonado la idea de adquirir esta película. Como suele ocurrir, guiarse de este tipo de herramientas publicitarias es todo un error. Es cierto que hay acción. Mucha. Pero no es éste un film “de lucha”, no es uno en los que sólo importa que los tíos estén dando patadas constantemente hasta que mueran los cien mil esbirros que el malo pone frente al bueno sólo porque quiere retrasar el duelo entre ellos. No es de ésos. Aquí se ha cuidado la historia y la relación dramática entre los personajes. De hecho, es posible que sean precisamente los que buscan una ración de cine acción sin sentido los que queden defraudados.

    Si tuviera que resumir en una sola palabra mi opinión sobre Duelo de Dragones sería, sin duda, “impresionante”. Fue la palabra que más veces exclamé durante el visionado de la película de Wilson Yip. Aunque creo que ha quedado claro, no soy fan del cine de acción o de artes marciales en estado puro. Me suele gustar sólo cuando se sabe mezclar con efectividad con otro género, como la comedia o el drama. Pero eso de ver a un tipo que camina por la calle y que de pronto sin mucho sentido le asalten unos macarrillas para que durante diez minutos se demuestra que el héroe estudió kung-fu en lugar de geografía, pues como que me hacen desconectar y pensar que estoy perdiendo el tiempo. No disfruto viendo un combate de lucha, pero sí puedo hacerlo si los personajes implicados han sido presentados y trazados anteriormente con suficiente solidez, y no se limitan a ser simples marionetas con ganas de mamporros. No me entusiasma ver un combate de artes marciales, pero sí puedo hacerlo si la acción se muestra abiertamente, si veo que los tipos realmente hacen esos movimientos tan espectaculares, sin demasiados trucos, sin un montaje de videoclip, y, por supuesto, sin que se note la mano del ordenador. Duelo de Dragones me resultó impresionante porque me hizo alucinar cuando los personajes decidían enfrentarse entre ellos, a puñetazos, patadas y cuchilladas.

    El principal responsable de este logro es Donnie Yen, a quien no se le puede exigir una interpretación dramática de Oscar, pero sí que te deje con la boca abierta cuando pelea con otro tipo. Además tiene carisma, es una estrella, y eso se nota cuando aparece en pantalla. Él es el principal protagonista y el responsable de la coreografía de acción de este film; en ambos aspectos, Yen cumple a la perfección, luciéndose, obviamente, en los momentos en que deja que hablen sus habilidades para la lucha. Leí hace tiempo que estaba en conversaciones para interpretar al mítico Bruce Lee en otra película sobre su vida, lo cual no estaría nada mal. Junto a Yen, destaca en el papel del temible jefe mafioso Sammo Hung, a quien algunos conocerán por haber protagonizado una serie televisiva titulada Martial Law. El combate entre Yen y Hung es, sin lugar de dudas, una de las secuencias más espectaculares que he visto nunca en una película. Te deja sin aliento. Y el desenlace es para enmarcarlo. Brutal. Otro especialista del género como Jing Wu también tiene su ración de protagonismo, destacando fundamentalmente en un impresionante duelo contra Yen.

    En un lugar totalmente opuesto tenemos al personaje interpretado por el siempre excelente Simon Yam, el único actor “de verdad” del plantel protagonista.

    En Duelo de Dragones, Yam carga con el peso dramático de la historia, proporcionando a su papel toda la entidad necesaria para que, en apenas unos segundos, el espectador sienta una gran empatía hacia él, a pesar de que no es precisamente un “hombre bueno”. Nadie en este film lo es. Son todos hombres culpables de una u otra forma, marcados por la violencia, por una lucha a muerte entre policías y mafiosos, con la insatisfactoria ley en segundo plano; unidos en última instancia por la amistad/rivalidad. Yam personaliza el poderoso drama crepuscular del film de Wilson Yip, quien muestra a unos personajes solitarios en busca de una salida a su trágico destino. Por eso cuando sus vidas corren peligro, nosotros lo sentimos, lo cual es poco habitual en el género. Un gran acierto del guión.

    El único “pero” que se le puede poner (y le pongo) a la película es su autolimitación. Aporta algo más que patadas, sí, pero no lo hace tanto como sería deseable. Porque la historia daba para más, había posibilidad de desarrollarla con mayor profundidad, pero se apuesta (y no sin razón, ojo) por la espectacularidad de las escenas de acción y por dar mayor protagonismo a los que saben pelear. Eso sí, como creo que ya he dejado claro, en ese terreno, se llega al techo. Yip dota a la película de una espectacularidad y una elegancia envidiables; impensable para la gran mayoría de los realizadores actuales que pretenden filmar acción y sólo aciertan a marear al personal. Es sólo que lamento que haya ramificaciones argumentales que, considero, quedan un tanto desaprovechadas, menospreciadas, cuando realmente suscitan bastante interés.

    En definitiva, Duelo de Dragones es una más que notable y sorprendente película de acción, así como también un intenso drama con tintes policiacos. Tremendamente espectacular, como dije antes, es un título que no debería faltar en su estantería.

    Última edición por Karakorum; 29/06/2011 a las 21:34

  9. #9
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    Bella Martha (2001).


    El argumento de la película nos habla de una mujer llamada Marta, chef de cocina en un restaurante. Maniática y perfeccionista con el mundo que le rodea, vive única y exclusivamente para la cocina, sin poseer siquiera vida social. Un día tendrá que hacerse cargo de su sobrina huérfana, y el mundo que hasta ahora controlaba, empezará a derrumbarse delante de sus narices, más aún cuando en su cocina contratan a otro chef, un italiano lleno de vida y buen humor, y que entrará en la vida de nuestra protagonista de la forma más inesperada.

    Estamos ante una película bastante sorprendente en más de un aspecto. En primer lugar, el film es una completa gozada para todos nuestros sentidos, entrándonos por los ojos con una facilidad impresionante, para adentrar todavía más dentro de nosotros y quedarse para siempre en nuestro corazón. Sí, puede parecer exagerado lo que he dicho, pero es la única forma que encuentro de transmitir lo que he sentido mientras veía Bella Martha, film servido con una apariencia cautivadora, como si de un plato de cocina se tratase, uno de esos platos tan bien presentados, que te lo comerías con los ojos; algo que alcanza su máximo exponente en todas aquellas escenas en las que los personajes están cocinando algo, pues entran unas irresistibles ganas de meterse en la película (en plan Mia Farrow en The Purple Rose of Cairo), y empezar a devorarlo todo, del hambre que te entra.

    Su directora, Sandra Nettelbeck, demuestra tener una inusitada delicadeza y ternura al tratar la historia, ya sea por lo bien que trata a sus personajes, a los que mima cuidadosamente durante toda la proyección, o por el estilo visual que adopta en algunos momentos en el interior del restaurante, en el que realiza algún plano secuencia verdaderamente impresionante, nada efectista, y sí muy efectivo. Una sensibilidad puramente femenina que le da un toque de distinción a la película, la cual hubiera sido completamente distinta si hubiese sido dirigida por un hombre. Además, Nettelbeck retrata a esa mujer maniática, y casi fría, con un amor especial, bastándole un par de detalles argumentales para definirlo con total precisión.

    La directora nos acerca a sus personajes en toda la película, nos los hace familiares, para así poder identificarnos con ellos en algún que otro momento. Los toques de comedia están sutilmente realizados, de forma que la película no caiga en el chiste fácil, y la parte de drama lo mismo, para no hacerlo innecesariamente lacrimógeno. Y mezclándolo todo de forma sencilla, sin demasiados sobresaltos, logra que nos riamos cuando hay que reir, y que nos emocionemos cuando hay que hacerlo. Baste recordar la relación de Marta con su psicólogo, o la parte final del film, claros ejemplos de las dos cosas.

    Marta está interpretada por Martina Gedeck, actriz que se entrega con total facilidad a su personaje y simplemente lo borda, logrando transmitir varias sensaciones a lo largo de su evolución. Y se compenetra a la perfección con Sergio Castellitto, que interpreta al chef italiano que ve la vida de otra manera, sin tanto perfeccionismo y demostrando que se pueden hacer las cosas con la misma pasión que se cocina el mejor de los platos. Evidentemente es todo un acierto la diferencia de caracteres en los dos personajes centrales, ella alemana, mujer fría, él italiano, hombre apasionado. Quizá un poco evidente, pero maravillosamente mostrado y resuelto.

    Y si además la mayor parte del tiempo te lo adornan todo con un tema musical compuesto por Keith Jarrett para el imprescindible "My Song" (disco obligado para todo amante de la música), en el que el piano de Jarret y el saxo de Jan Garbarek se entremezclan en una melodía inolvidable, pues entonces a uno no le queda más remedio que rendirse ante el plato que tiene delante.

    Nota de Karakorum: Hace unos años fuimos aburridos por un sosísimo remake gringo llamado No Reservations, protagonizado por Catherine Zeta-Jones, que no tiene ni una gota del encanto de este film.

    Última edición por Karakorum; 30/06/2011 a las 14:18

  10. #10
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    L'ultimo bacio (2001).


    Es una de las películas más aclamadas de Gabriele Muccino, a quien muchos conocerán por ser el director de la correcta The Persuit of Happyness.

    La historia se centra en cuatro amigos cerca de la treintena, y en sus respectivas relaciones con el sexo opuesto. Tenemos a nuestro protagonista, que después de tres años de relación con su novia descubre que ésta está embarazada y las campanas de boda empiezan a sonar en sus oídos, la relación entra en crisis cuando él conoce a una joven estudiante que se prenda de él (la carne es la carne). Los otros representan las distintas fases del hombre en toda relación: el ligón empedernido que jamás se compromete, el casado agobiado y el enamorado que agobia a su ex-novia a todas horas.

    Lo primero que llama la atención de la película es su sorprendente ritmo, el cual no baja en ningún momento de la función. Un ritmo trepidante de principio a fin, y que por momentos nos da la sensación de estar ante un film de acción, pero sin acción. Es más, me atrevería a decir y no me tiembla el pulso mientras escribo, que ya les gustaría a muchas películas de acción tener el ritmo que tiene L'ultimo bacio, algo que me recordó, salvando las distancias evidentemente, a la comedia más frenética de todos los tiempos, One, Two, Three, del gran Billy Wilder, cuyo ritmo es dificilísimo de seguir. Pues al film de Muccino le pasa más o menos lo mismo, no te da respiro, y lo bueno del asunto es que mantiene el nivel, un muy bien nivel, a lo largo y ancho de sus casi dos horas. Eso en la comedia actual, es prácticamente un milagro.

    Luego, el otro gran acierto de la película es la enorme identificación que el espectador sufre con cualquiera de sus personajes centrales, o secundarios. Cualquier persona que haya estado enamorada, encontrará a su alter ego en esta película. Precisamente, el otro día intercambiando palabras con un italiano que estaba de visita en mi negocio, me comentaba que esta película era la historia de su vida, y que se encontraba entre sus favoritas. Muccino se corona acercando al público la historia, logrando que éste se emocione fácilmente y sin ningún tipo de artificio sensiblero, algo realmente difícil de hacer en los tiempos que corren.

    Por supuesto, también ayudan unos actores realmente extraordinarios, y prácticamente todos en estado de gracia, ya sean los jóvenes, en los que se centra casi toda la película, o los más veteranos, que también aportan maravillosamente su granito de arena al asunto, porque evidentemente la película también habla del amor en la fase de madurez, y es que el film no se deja absolutamente nada en el tintero.

    Probablemente, el único aspecto flojo, y para eso no estamos hablando de un fallo escandaloso bajo ningún concepto, es que la historia entre el protagonista y una joven estudiante, ante la que cualquier hombre caería totalmente rendido (y es que somos así de burros), está un pelín forzada. No por parte de él, sino por parte de ella; podrían haber matizado un poco más el asunto. No obstante esto no impide ni de lejos, que nos encontremos ante una magnífica película, llena de vida, de alegría, de buen humor, con sus pizcas de drama bien insertadas. Toda una delicia, que además culmina en un final precioso, y que viene a demostrar lo cíclico de la vida, sobre todo cuando se trata de cuestiones amorosas.

    Nota de Karakorum: Como con la película anterior, hace unos años fuimos atormentados por un soporífero remake gringo que en ningún momento le hace justicia a la película original.


  11. #11
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    Severance (2006).


    Un grupo de trabajadores de una multinacional que fabrica armas, pasarán un fin de semana en una región apartada de Europa del este, por motivos de trabajo. Allí, empezarán a ser atacados sin piedad ni motivo alguno por un grupo de cazadores que no se andan con chiquitas. Lo que iba a convertirse en un apacible fin de semana se convertirá en un desesperado intento por sobrevivir.

    Lo que en principio parece la típica película de terror con un grupo de personas aisladas en un terreno que no conocen y un asesino haciéndoles la puñeta, se va convirtiendo poco a poco en un divertimento de primera con un tratamiento de tópicos de género verdaderamente imaginativo. Para empezar, no tenemos a un sólo asesino, son varios, cazadores a los que apenas vemos en un par de escenas, y no pronuncian palabra, lo cual les hace más temibles. Detalle éste que recuerda, y bastante, a la mejor película de Walter Hill, otra de esas películas que bien podrían ir a una lista de películas infravaloradas. Me refiero a la magnífica Southern Comfort.

    Pero Severance no va por ese camino, en cuanto a “seriedad” se refiere, sino que mezcla con inusitada habilidad lo serio del asunto con un humor excelentemente metido en la acción, tan sutil como efectivo, y sin llegar a sonar forzado. No es que la película esté llena de gags, pero las pocas incursiones humorísticas que hay producen en el espectador un efecto superior al que sería si estuviéramos ante una comedia. Un servidor rompió en risas en determinados momentos, pero me gustaría señalar uno en concreto: cuando cierto personaje está “colocado” al principio, y todo lo que le ocurre a posteriori.

    La película tiene además un ritmo increíble, no bajando en ningún momento y llegando a una parte final, que si bien parece que resuelven algunas cosas de un plumazo, está bastante lograda. Los golpes de efecto, por así llamarlos, también son un punto a su favor, y en ningún momento se exceden, tiene los que una película de estas características requiere sin que se les vaya la mano. Su director, Christopher Smith, realizador de la floja Creep, supera de esta forma a muchas de las películas de género recientes, estilo Hostel o incluso la nada desdeñable Wolf Creek, realizando una sátira que está lejos de la perfección, pero que conjuntando con eficacia un humor nada grueso y unos toques de brutalidad bien metidos, el film es pura diversión, capaz de reírse de sí mismo como pocas películas lo han hecho recientemente.

    Una buena película que hará las delicias de los amantes del género, e incluso se ganará algún que otro adepto no demasiado acostumbrado a estos manjares. Para devorar sin prejuicios.

    Última edición por Karakorum; 04/07/2011 a las 16:34

  12. #12
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    Altered (2006).


    Sin ser una gran película que vaya a pasar a la historia del celuloide, sí es una muy agradable sorpresa, resuelta con mucho ingenio y soltura, y cien mil veces mejor que muchas de las películas que últimamente han llegado a nuestras carteleras, lo que me lleva a cuestionarme una vez más los criterios de las distribuidoras a la hora de darle salida a cierto tipo de películas. Que el presente film no iba a ser un éxito de taquilla es más que evidente después de su visionado, pero dado su más que clarísimo poco presupuesto, tal vez se hubiera defendido lo suficiente, y quién sabe si no nos encontraremos ante un film de culto. El tiempo lo dirá.

    El excelente guión de Altered narra las peripecias de un grupo reducido de hombres que tratan de deshacerse de un extraterrestre al que han capturado. Tiempo atrás, ellos fueron abducidos para realizar experimentos horrorosos, algo que nunca pudieron soportar y que marcó sus vidas para siempre. Ahora, tras pasar muchas humillaciones, tienen la oportunidad de arreglar las cosas vengándose. O no.

    Me refiero a las excelencias de su guión por lo fácil que les ha debido resultar a sus creadores el sintetizar tan increíblemente las propuestas de su historia en una historia mínima, pero densa y llena de matices. No necesitamos ver nada de lo que les ha pasado a los personajes, los cuales quedan perfectamente definidos al poco de empezar la película, con cuatro diálogos al respecto nos llega y nos sobra para darnos cuenta de lo que ocurre, y por lo que están pasando. Después, casi todo el relato sucede en el interior de una casa aislada en medio de la nada, y lo cierto es que el escenario está usado de maravilla, y las propuestas del guión vuelven a ser de primera. ¿Qué harán con el alien? ¿qué sucederá si se lo cargan? ¿y si lo dejan vivir? ¿alguien les creerá al fin? ¿saldrán vivos de ésta? Todas estas preguntas y algunas más hacen acto de presencia en nuestras mentes, al tiempo que los acontecimientos se suceden sin parar en el film.

    Un film con una clara apariencia de serie B, en la mejor tradición del género, recordando en cierta medida a aquellas viejas películas de los año 40 y 50, a las que rinde en cierto aspecto un sentido homenaje, eso sí, utilizando al máximo todos sus elementos, desde el mencionado escenario hasta un eficaz reparto, y entre los que cabe destacar sobre todo la excelente labor de maquillaje, el cual nunca resulta ni repugnante ni excesivo ni gratuito, o sea, utilizado con inteligencia, ya sea para mostrar las horribles consecuencias de una mordedura alienígena, o al bicho en cuestión, el cual y para sorpresa de todos resulta de lo más creíble. Personalmente no me gusta demasiado que se le vea con total claridad, ya que creo que de esta forma pierde un poco el misterio y lo enigmático de la situación. Baste comprobar cierta secuencia en la que el protagonista se queda quieto con los ojos cerrados en medio del bosque, y “algo” pasa cerca de él. Sabemos lo que es, ya que inteligentemente se nos ha preparado para saberlo (otro acierto de guión), pero al no verlo, la sensación de inquietud es mucho mayor.

    Y el mayor artífice de esta película no es otro que Eduardo Sánchez, que hace años se coronó, junto a otro jeta, dándole publicidad en internet a uno de los mayores bodrios de la década pasada, la infumable The Blair Witch Project, que con sólo recordarla ya me dan arcadas. Sin embargo, parece que Sánchez ha aprendido algo en todo este tiempo y lo cierto es que con esta película, por la que desgraciadamente recibirá muchas menos alabanzas, se ha lucido tanto en el tratamiento de la historia, como en su efectiva, aunque algo hermética, puesta en escena. Planos tan sencillos como el final merecen un aplauso. Y que conste que no estamos hablando de nada maravilloso.

    Pero sí es una buena película, servida con oficio y buen gusto, y no tratando al espectador como si fuera imbécil, algo que en este género es muy común. Una pena que sólo se vaya a descubrir en el mercado doméstico.


  13. #13
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    Persépolis (2007).


    La iraní Marjane Satrapi se crío en una familia de Teherán de talante progresista, simpatizantes de la revolución antes de que adquiriera un carácter islamista. Vivieron con dolor las restricciones de las libertades individuales, la represión, la imposición del velo femenino y el estallido de la guerra Irán-Iraq, que el nuevo régimen utiliza para consolidarse. El dibujante y guionista David B. le recomendó que narrase su historia en forma de bande-dessinée y así surgió Persépolis, que recientemente ha visto una reedición en un solo álbum de lo que originariamente eran cuatro tomos.

    Con un trabajo muy bien elaborado de síntesis, Satrapi ha convertido esta novela autobiográfica en un largometraje de animación con la colaboración del director de cine y autor de tebeos Vincent Paronnaud, alias Winshluss. La voz de la protagonista de joven y de adulta la ha intrerpretado Chiara Mastroianni y Catherine Deneuve ha prestado su timbre a la madre, uno de los personajes más interesantes de la cinta.

    Para mantener una fidelidad hacia original, los autores han optado por un blanco y negro muy puro, sin apenas tonalidades intermedias, lo cual me parece una decisión muy valiente. En una primera toma de contacto, esta ausencia de gama cromática da una sensación de limitación que hace pensar que va a impedir una narración sólida. Además, el estilo del dibujo, incluso si ya se conoce de haberlo visto en la b-d, puede parecer demasiado esquemático e infantil como para sostener un largometraje entero. Sin embargo, el poder de lo narrado es tan grandioso que inmediatamente se trasciende la teórica inocencia de los dibujos y se penetra en la historia. La redondez de los cuadros añade identificación con personajes y el contraste entre su apariencia naíf y la dureza de lo relatado fortifica el impacto del film. De la misma manera, el blanco y negro se convierte en un instrumento que, lejos de impedir transmitir sensaciones, ayuda a crear la opresión física y política que rodea a Marjane y a su familia en Irán.

    La autobiografía de Satrapi es un documento de tanto valor por sí mismo que podría parecer que todo el mérito de la iraní reside en haber contado algo que produce mucha irritación en Occidente y que sin duda va a despertar simpatías. Pero hay algo más. La autora ha sabido, tanto en el tebeo como en la película, quitarle hierro al asunto y no cargar las tintas (nunca mejor dicho), como podrían haber hecho personas más demagógicas, más melodramáticas o de menor talento.

    Así, vemos muchos momentos de humor que no estropean el tono general, sino que saben entrar en el instante preciso. Vemos también cómo los dramas más graves son mostrados, pero sin ahondar en la herida, sino pasando rápidamente a otra cosa que nos alivie y nos ayude a olvidar la sensación de dolor. Y, quizá lo más importante: vemos incluso los errores que la propia Satrapi cometió. Ella no se presenta a sí misma como una mártir o como una heroína, sino que reconoce que tomó decisiones equivocadas y que se comportó de manera irreflexiva en muchas ocasiones. Por lo tanto, esta ausencia de maniqueísmo es quizá lo que más valor tiene del film.

    Sería lógico que nos conmoviese presenciar cómo un país que vivía en un régimen muy avanzado volvió hacia atrás con medidas casi inhumanas y que las hijas están más reprimidas que las madres. Pero el efecto no sólo lo produce la constatación de esos hechos, sino también la empatía lograda gracias al magnífico retrato de personajes que hace la autora. Satrapi logra una inmensa autenticidad en todo lo que se muestra. Echa mano de una enorme sinceridad, sobre todo atreviéndose a confesar momentos que producen casi tanta vergüenza ajena como las anécdotas de Bridget Jones. Efectivamente, en su dibujo estamos viendo a una niña, a una adolescente, a una joven… Por lo tanto, además de presenciar un relato de una situación política, vivimos la historia de una mujer, de cómo creció, de cómo se sentía. Y quizá uno de los sentimientos más interesantes que se aprecian es el de que ella no hallase que pertenecía a ningún sitio, que siempre se encontrase como una extraña. Si antes decíamos que alguien más manipulador no habría dudado en culpabilizar a otros de todos sus males, también habría resultado sencillo y propagandístico mostrar Europa como la solución a los problemas. Pero, de nuevo, la autora es más realista y sabe hacer ver que no existe el paraíso en la tierra y que todo, incluso la libertad, tiene su precio.


  14. #14
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    La Boda de Tuya (2006).


    El argumento está ambientado en la Mongolia interior, en una región desértica, donde vive Tuya, la protagonista de la historia, quien después de un accidente que tuvo su marido y que le ha dejado inválido, tiene que hacerse cargo con todos los trabajos de la casa. La situación de Tuya empeora cuando un médico le dice que tiene que dejar de trabajar tan duro. Su marido la convencerá para que se divorcie de él, y así pueda encontrar a otro hombre que cuide de ella. Tuya sólo aceptará casarse con otro hombre si éste acepta a su exmarido con ellos.

    La Boda de Tuya es un drama por todo lo alto, un película en la que la sonrisa aparece sólo en determinadas ocasiones, en algún que otro momento cotidiano en la vida de nuestros protagonistas, una vida demasiado dura, pero que ellos aceptan con la mejor de las resignaciones, algo excepcionalmente retratado en la película. Una película que según va avanzando va mejorando considerablemente, gracias a un retrato de personajes realmente sensible y lleno de pequeños matices. Es curioso en este aspecto como siendo una película que nos habla un poco de ciertas costumbres orientales, al espectador occidental le resulte bastante sencillo entenderlo todo y conectar enseguida con la historia, por muy lejana que nos parezca, culturalmente hablando.

    Y tal vez esto sucede porque la película nos habla en el fondo del amor en todas sus facetas, poniendo sobre la mesa situaciones verdaderamente complicadas para cualquiera, y que en el film están resueltos con envidiable pericia. A ello contribuye por supuesto, la puesta en escena de su director, Wang Quan'an, quien es lo suficientemente inteligente para ofrecernos un film a la par contemplativo, a la par emocional, sin caer en el exceso en ninguna de las dos cosas. Quan'an filma seguro, y con una soltura que le permite inferir al film un ritmo adecuado, gracias al cual ni nos aburrimos ni dejamos de interesarnos por lo que sucede. Y es que la trágica historia que envuelve a la protagonista del relato nos llega muy dentro, y poco a poco vamos encariñándonos de alguna forma con algunos de los carismáticos personajes que pululan en el film, sobre todo el de un hombre, al que su mujer no hace más que engañarle y que tiene un peso importantísimo en la vida de nuestra protagonista.

    Una protagonista a la que da vida una actriz en estado de gracia, Yu Nan, quien sin ningún esfuerzo se mete en la piel de un personaje que realmente parece una habitante de la Mongolia interior viviendo en las condiciones que nos son expuestas en el film. Una mujer que no tiene tiempo para pensar en el amor, ya que el trabajo le tiene ocupada todo el día. Y sin embargo, ese amor es lo único con lo que realmente puede contar, y lo que en alguna ocasión le puede salvar la vida. Un amor que le llega de todos lados, manifestándose de distintas maneras, pues todos somos distintos y cada uno ama de una forma, algo que en la película está simplemente sugerido, pero que funciona a la perfección. Al lado de la excepcional actriz tenemos los trabajos del resto del reparto, los cuales son, en su mayoría, actores no profesionales. Y es aquí donde recae el único aspecto flojo de la cinta, y es que se llama demasiado la atención el trabajo de una actriz profesional con alguien que no lo es. No se les nota a todos, afortunadamente, pero cuando sucede la película deja de ser cinematográfica.

    Una estupenda película con la que disfrutar con todos los sentidos.


  15. #15
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    El Bosque de Luto (2007).


    Naomi Kawase es una directora japonesa que, más allá de las fronteras de su país, sólo ha conseguido cierta repercusión en Francia. Concretamente, en el festival de Cannes, donde logró la Cámara de Oro en 1997 por Moe no suzaku, estuvo nominada a la Palma de Oro por Sharasojyu¡, y, recientemente, ha obtenido el Gran Premio del Jurado por El Bosque de Luto (Mogari no mori), la película que ahora nos ocupa.

    La directora proviene del documental, y ése es un enfoque que se nota en toda su filmografía, desde decisiones más evidentes como contar con operadores de cámara que también provienen del documental y el empleo de actores no profesionales, hasta otras mucho más sutiles que tienen que ver con la puesta en escena o el fuera de campo.

    El Bosque de Luto es una espléndida forma de adentrarse en el más que interesante cine de Naomi Kawase. La película nos narra, con toda la parsimonia que eso requiere, la historia de Machiko, una joven enfermera en un asilo, y la de Shigeki, uno de los ancianos que allí son atendidos. Ambos personajes viven sumidos en una profunda tristeza por la pérdida de un ser querido: su hijo, en el caso de Machiko, y su mujer en el caso de Shigeki.

    En vez de cargar las tintas dramáticas, Naomi Kawase apuesta por la sutileza y la sobriedad: la angustia de estos dos personajes es muy contenida y se manifiesta de forma ejemplar en la frase que Shigeki le hace al monje budista que visita al asilo: “¿Cómo sé si estoy vivo?”. El monje le responde con una doble pregunta: para saber si estás vivo hay que saber dos cosas. La primera, y muy fácil, es si comes arroz y condimentos. La segunda, más difícil, es saber si experimentas sensaciones.

    A partir de ahí, el destino de Machiko quedará unido al de Shigeki: un día, durante un viaje en coche, el anciano escapará hacia el bosque en busca de la tumba de su mujer, y Machiko lo perseguirá. Comienza un viaje de dos días en el que los personajes tendrán que sentir, que recuperar sus vidas anuladas por el dolor.

    La sutileza con la que Kawase filma su relación es magnífica: todo son actos cotidianos que esconden un poderoso subtexto. Todo son elegantes metáforas, como la del río que se desborda mientras el anciano intenta cruzarlo. Machiko le implora, llorando, que no cruce, que el peligro es muy grande. Una vez Shikegi desiste, abraza a una desconsolada Machiko mientras le dice “el río nunca volverá a su fuente”. Una metáfora tan sencilla como eficaz sobre la aceptación de la muerte.

    El estilo visual de Kawase es, asimismo, muy acertado. Una peculiaridad de esta directora es su trabajo con el fuera de campo: todos los sonidos comienzan antes de que podamos descifrar cuál es su fuente; los personajes reaccionan ante cosas que no hemos visto. Es la cámara en mano, con su inquietud de documental (aunque para nada mareante) la que nos va descubriendo la realidad que nos rodea. Y me parece la mejor opción para una película que nos quiere contar el redescubrir la vida, y que alcanza la excelencia en su emotiva – e igualmente sutil – escena final.

    Si Imamura, en La Balada de Narayama, nos contaba el estoico peregrinar de unas gentes hacia el aceptar su propia muerte, Naomi Kawase, en El Bosque de Luto nos cuenta el peregrinaje hacia volver a descubrir la vida. Una sobria, elegante y emotiva película que incluso dentro de sus lentitud transmite tantas sensaciones que merece la pena.


  16. #16
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    Lust, Caution (2007).


    Tras la polémica suscitada con la magistral Brokeback Mountain, el todoterreno Ang Lee se ha vuelto a su país de origen, Taiwán, a rodar lejos de los USA, aunque simplemente ha sido un cambio de localización, porque Lust, Caution (Se, Jie, 2007) es ante todo una película a la americana, por así decirlo. La historia se desarrolla en el Shangai de la Segunda Guerra Mundial, pero tranquilamente podría haberse situado en cualquier ciudad norteamericana, y en vez de ser japoneses y chinos, pues alemanes y americanos, con todos los cambios que eso hubiera llevado, evidentemente.

    Y es que el amor de Lee por el cine americano, sobre todo el clásico, queda bien patente en esta película de corte oriental, aunque ya teníamos una buena muestra de ello en anteriores películas (siempre me sorprendió que un director como Lee se hiciera cargo en pleno 1999 de un western en la más absoluta tradición del género). No obstante, sus films en territorio americano, son eso, americanos, aderezados por supuesto con su muy personal mano. En Lust, Caution esa fascinación queda todavía más clara al tratarse de un film oriental, en el que Lee no se corta un pelo.

    Lust, Caution nos habla de una historia de espionaje y amor durante la ocupación japonesa en el Shangai de la Segunda Guerra Mundial. Una joven actriz es tentada a llevar sus cualidades interpretativas mucho más allá de las fronteras de un escenario teatral. Haciéndose pasar por una importante mujer casada, tendrá que trabar amistad con la esposa de un colaboracionista de los japoneses, a quien quieren eliminar. En un principio la misión fracasa, pero años más tarde, se les vuelve a presentar la oportunidad y todo vuelve a empezar, si cabe con más peligro para nuestra protagonista.

    La película tiene una evolución dramática realmente conseguida, un crescendo especialmente delicado en el que lo único que habría que achacarle es su excesiva duración. Más de dos horas y media es demasiado para una historia que Lee bien podría haber narrado en hora y tres cuartos o dos horas. Lo demás, es simple y llanamente perfecto. La película empieza como una historia de espionaje, en la que nuestra atención se centra en el personaje femenino de este poderoso drama: una chica decidida a todo con tal de llevar a cabo sus sueños de liberación. Gracias a la extraordinaria composición de Tang Wei, el personaje nos resulta de lo más cercano, a pesar de la frialdad del film de la que le han acusado algunos espectadores especializados, cosa que por supuesto no comparto. Wei me parece sin duda el gran descubrimiento de la película, con esa fragilidad y unas gotitas de dureza, que la convierten en una actriz a seguir inmediatamente. Salvando las distancias podríamos estar hablando de una nueva Zhag Ziyi.

    En el segundo acto por así llamarlo, el film se centra más en el personaje interpretado por el siempre excelente Tony Leung, uno de los mejores actores vivos. Y es en esta parte donde ocurre algo que me ha llamado la atención y que bien podría ser por culpa de la duración del film. Todo lo que vemos sobre este personaje es a través de los ojos de la protagonista, salvo en los poderosos instantes finales, donde el punto de vista del film cambia. La película se centra en la relación de los dos personajes sin que el espectador tenga conocimiento de las actividades por las que quieren eliminarlo. Tan sólo conocemos eso por boca de los mismos, y la película es tan larga que ésta se resiente en ese aspecto. Por supuesto, Leung con una dureza casi extrema da vida a un introvertido personaje que parece encontrar cierto sentido a las cosas cuando conoce a nuestra protagonista. En las duras escenas de sexo entre ambos, es donde Lee nos presenta todas las cartas, el deseo que uno siente por el otro, se convierte en verdadero peligro para ambos, reflejado excelentemente en la violencia contenida de dichas escenas.

    Una escenas atrevidas como atrevido es Lee, que chocan (en el buen sentido de la expresión, si es que lo tiene) con ese clasicismo antes mencionado, y que no está ahí por casualidad. Al respecto cabe citar el hecho de que a la protagonista le encante el Cine, y se meta varias veces durante la película en una sala a ver un film, casi siempre americano. Hay citas a films como Suspicion, esa obra maestra de Hitchcock con la que Lust, Caution puede emparejarse en más de un momento. Y luego, ya dentro de la propia trama del film, tenemos una clara alusión a Torn Curtain, el film que demuestra lo difícil que es matar a un ser humano en una de las escenas más duras y terroríficas que el cine recuerda. Lee rinde homenaje al maestro por segunda vez en una portentosa secuencia en la que más o menos ocurre lo mismo, no dejando indiferente al espectador.


  17. #17
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    Ricordati di Me (2003).


    Gabriele Muccino, realizador de la magnífica L'ultimo bacio, y capaz de hacer algo con el endeble material de The Persuit of Happyness, entre esas dos películas realizó una película que parece no haber visto ni Dios, aunque me imagino que en Italia sí lo harían.

    Es curioso como algunas películas de ciertos realizadores pasan sin pena ni gloria por las carteleras, o simplemente no se estrenan. Y más curioso resulta cuando comprobamos que dichos films llevan el reconocible sello de sus autores, que apenas se apartan de su estilo, pero que a saber porqué misteriosa razón, esta vez no gozan ni del favor del público ni de la crítica. Una pena, porque Ricordati di Me es una de esas películas amables, entrañables, simpáticas y sinceras en lo que tratan; y esta especie de ignorancia colectiva no le hace justicia (como a otros tantos títulos). ¿La culpa? de los distribuidores, evidentemente.

    Ricordati di Me habla del amor en la etapa madura, curiosamente todo lo contrario a lo que hacía L'ultimo bacio, aunque aquélla daba algunas pinceladas sobre el tema. Un matrimonio con hijos ya adolescentes, pasa por una crisis acentuada con una aventura que el marido tiene con un antiguo amor, que a su vez no está bien en su matrimonio. Por otro lado, los hijos, que intentan permanecer al margen de las desgracias personales de sus padres, lidian con sus propios sueños, ya sean los de intentar salir en televisión, o los de simplemente ser considerados por los demás. Al fin y al cabo es de lo que habla la película en distintos contextos: que te hagan caso, que seas reconocido por algo o por alguien.

    Muccino demuestra una vez más su pericia para una puesta en escena en la que destaca un uso casi grandilocuente de la cámara, la cual mueve como si se tratara de un film de acción. Ayudado por un perfecto y frenético montaje, el director logra meter al espectador desde el primer minuto en la historia, no dándole respiro en ningún momento, aunque esto no significa que el film no flaquee en algunos momentos. Tal vez haya un par de situaciones bastante forzadas, sobre todo la de cierta fiesta a la que acude la madre en busca de su hija deseosa de fama, y también puede que algunas decisiones no estén del todo bien definidas, como por ejemplo las dudas existenciales, por así llamarlas, del hijo, probablemente el personaje más descuidado.

    De lo que podemos disfrutar sin ninguna duda es de las excelentes interpretaciones de todo su reparto, destacando sobremanera el trabajo de Laura Morante, una actriz como la copa de un pino, y que ofrece todo un recital en esta película. Impecable de principio a fin, con uno de esos personajes que pasan por multitud de estados de ánimo, reflejándolos todos a la perfección. Impresionantes los momentos en los que estalla al enterarse de la aventura de su marido. A su lado, un más que correcto Fabrizio Bentivoglio, que logra transmitir con sus simples expresiones faciales la pena y descontento de su personaje. La tercera en discordia es una bellísima, como no podía ser menos, Monica Bellucci, a la que tal vez se le descuida un poco en el último tramo de película. Silvio Muccino, hermano del realizador, desprendiendo simpatía en todo momento como es habitual en él. Y Nicoletta Romanoff, con uno de los personajes más complejos del film, el de niña tonta, que sólo quiere éxito y fama, y para lograrlo hará lo que sea.

    Por supuesto, al director le encanta jugar con la trama y con el mensaje de la misma, y al igual que en L'ultimo bacio, Muccino nos tiene reservado una vuelta de tuerca final, pues como decía cierto famoso director, el final de una historia en una película es siempre el principio de otra historia. Muccino lo deja bien patente, pero más que otra historia es el hecho de que todo vuelve a empezar, de que realmente nada tiene un final. Estoy completamente seguro de que si a los americanos se les ocurre realizar un remake de este film, ellos lo dejarán todo bien cerradito y con moralina incluída, como hicieron en The Last Kiss con el anterior film de Muccino.

    Una buena película, tal vez algo larga, pero altamente disfrutable. Una pena lo de su distribución. Luego se quejan de cierto animal de carga, gracias al cual podemos ver películas que de otra forma sería totalmente imposible.


  18. #18
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    Away from Her (2006).


    He leído en alguna parte que Sarah Polley se acerca a Ingmar Bergman en su debut como directora. Puede ser cierto, sobre todo al Bergman de los últimos años. Pero también tiene cosas, quizá menos reconocibles, de Isabel Coixet. Pero dejando a un lado influencias sean del tipo que sean, y dado que cualquier realizador las tiene, Polley ha conseguido una obra propia sin necesidad de que la comparan con películas de otros directores. Un trabajo exquisito de dirección por parte de esta excelente actriz que la descubre como una realizadora a tener muy en cuenta.

    Away from Her (2006) está basada en un relato corto de Alice Munro, The Bear Come Over the Mountain, y narra los últimos días de relación de un matrimonio en el que ella empieza a sufrir de alzheimer y tiene que ser ingresada en un centro. Allí él intentará visitarla siempre, e intentará hacer que recuerde su historia de amor. Aunque su argumento pueda tener ciertos parecidos con la floja The Notebook, poco se parecen entre sí ambas películas, afortunadamente.

    Uno de los mayores aciertos de Away from Her es su pareja protagonista, unos actores totalmente entregados y perfectos físicamente para los personajes. Unos personajes llenos de arrugas, cada una de las cuales es un episodio en su inolvidable historia conjunta, sus alegrías, sus tristezas, sus secretos, sus reproches, sus verdades, sus mentiras. Unos rostros llenos de vida y de dolor, de angustia por todo lo que les está pasando ahora en el tramo final de sus vidas, que uno de los dos olvide cuánto se quisieron, probablemente de lo peor que le pueda pasar a un ser humano. Es absolutamente enternecedor, y a la vez sorprendente y cercano, la encomiable química que existe entre Gordon Pinsent, actor que más bien se especializó en el mundo de la televisión, y una maravillosa y espléndida Julie Christie, para la que Polley escribió expresamente el guión de la película.

    Julie Christie, excelente actriz, da un verdadero recital de interpretación a todos los niveles. Uno de esos trabajos en los que vemos un personaje y no una actriz, algo a lo que aspiran todos los actores del mundo. Sus miradas, silencios, risas, dudas, enfados, poses, absolutamente todo en ella es perfecto. Indudablemente es la reina de la función.

    Sarah Polley dirige con una seguridad envidiable, de esa seguridad que sólo parecen disponer los que llevan años dirigiendo películas. La cámara parece no existir en manos de ella, y con esto no quiero decir que no la sepa utilizar, sino precisamente lo contrario. Además, utiliza en todo su esplendor la técnica de los flashbacks para explicar ciertas cosas importantes del pasado de los protagonistas, y no por el simple hecho de recordar. Impresionante la forma de mostrar cómo él fue infiel con alumnas a las que les daba clases. También la vemos a ella cuando era una joven preciosa, y su rostro se nos presenta varias veces, en contraposición con el actual, cansado y viejo, pero todavía con cierto resplandor en su mirada. A pesar de que pueda haber cierta previsibilidad en algún que otro momento, el film da un giro sorprendente a partir del instante en el que ella es internada en un centro. Una subtrama que aparte de arriesgada, es totalmente coherente con lo que nos están contando, y que nos hace prever que tal vez las cosas no terminen como uno quisiera, sino de una forma más dolorosa.

    Una magnífica película, nada sensiblera, y muy madura.


  19. #19
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    Dead Man's Shoes (2004).


    Dead Man's Shoes narra una historia de venganza de un exsoldado que regresa a su pueblo natal y emprende un brutal plan para hacer pagar a un grupo de desalmados, drogadictos, borrachos e ignorantes personajes, el haberse metido con su hermano descapacitado. Una vez alguien se refirió a esta película como una mezcla de Rambo, Taxi Driver y Straw Dogs. Salvando las distancias entre todas esa películas y ésta, la definición es bastante acertada.

    Así pues y con este dato, los que no hayan visto la película tendrán una idea de por donde van los tiros más o menos. La película cuenta con un guión escrito en parte por su protagonista principal, Paddy Considine, quien no se corta ni un pelo a la hora de dar vida a un personaje torturado, dolorido y medio loco, sin ninguna pizca de humanidad o entereza, uno de esos personajes que no todos los actores serían capaces de interpretar por lo dañada que quedaría su imagen, pues tiene demasiadas implicaciones oscuras, y ni un sólo vestigio de esperanza en su descenso a los infiernos de la venganza. Porque si algo nos demuestra esta película, es que la venganza es algo que puede consumir a uno, por muchas razones poderosas que se tengan para vengarse.

    Y es aquí donde se produce en la película que sólo funciona a medias. Todo el tratamiento que la película hace de la venganza entra dentro de lo esperado, por así decirlo, y ahí no hay ninguna queja, pues se le añade el elemento de locura en su personaje central, hasta el punto de que no sabemos si se venga porque está dolido por lo que le hicieron a su hermano, o se venga porque simplemente está loco. Como una especie de justiciero enmascarado con una máscara de gas, va eliminando uno a uno a todos aquellos que tuvieron algo que ver en el asunto, y cada vez es más brutal y despiadado. Pero con la última víctima, que por cierto es muy distinta al resto del grupo, ocurre algo que a mi parecer es incoherente con lo que nos están contando hasta ese momento. No voy a desvelar aquí lo que ocurre, pero me ha parecido totalmente forzado y fuera de lugar, como si no se atreviesen a cerrar la película de forma aún más dramática de la que termina, porque aunque no lo parezca, el final elegido, no deja de ser una concesión de lo más cómoda.

    Por lo demás tenemos un film entretenidísimo, en el que incluso hay lugar para alguna que otra sorpresa, algo referente a uno de los personajes, y que nos coge por sorpresa al final del relato, y que es un acierto de guión increíble. Qué bien se siente uno cuando le sorprenden de esta manera, y que tanto se marca su director, Shane Meadows, también coescritor del guión al ir dándonos información en numerosos flashbacks en blanco y negro que nos muestran el “hecho” en cuestión, y que llegado el momento de la verdad, ésta nos es revelada por boca de la última víctima en una escena que parece una confesión, música celestial incluida. Un momento álgido luego roto por la decisión antes comentada.

    Nota de Karakorum: Este director tiene otra película a la que tal vez deberían darle una probada, This is England (2006).


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    Predeterminado Respuesta: Sección "Películas que dejamos pasar"

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    AMERICAN TEAM.

    La pelicula esta hecha de titeres (maniquis) Pero esta super bien hecha. Una comedia de los creadores de South Park que paso desapercibida pero que ahora es OBRA DE CULTO.

    Si quereis morir de risa vedla,vale la pena.


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